1.    Noemy Cuervo Folgueira-Palencia
2.    Eduardo Alfredo Cortes Naffah-Huelva
3.    Pilar Paula Luengo Chicharro-Madrid
4.    Gabriel Fernández Gascón-Badajoz
5.    Esther Marín Gil-Valencia
6.    Fernando Segarra Taús- Castellón
7.    Yessica del Amo Sánchez-Alcorcón
8.    Cipriano Moreno Aparicio-Cádiz
9.    Daniel Calderón Martín-Lleida
10.    Juana María Rueda Murillo-Badajoz

Enhorabuena a los premiados,  para todos muchas gracias por leer y seguir nuestra publicación.

Underworld: el Despertar es un excelente ejercicio de acción que, sin miramientos, deja en segundo plano toda trama sentimental o poco movida en favor de enlazar sin descanso secuencias de tiros y explosiones. Una bendición para todos los amantes del género cansados de trasfondos a los que se les daba demasiado peso en detrimento de lo verdaderamente importante: las tortas. Esta cuarta parte de la saga vuelve a contar con Kate Beckinsale en el papel protagonista mientras que su marido, el guionista de la franquicia y director de la primera entrega Len Wiseman, firma el libreto y deja la realización a cargo de dos nuevos valores llegados de Suecia, Måns Mårlind y Björn Stein.

El mundo de Underworld recoge, desde la primera película, elementos del fantástico y el terror clásicos y los remezcla para darles un aspecto diferente y sobre todo más actual, aunque no fueron los primeros en hacerlo. Mundo de Tinieblas, creado a principio de los noventa, es un universo ficticio que sirve de trasfondo para juegos de rol y novelas en el que seres fantásticos como vampiros, hombres lobo o hechiceros coexisten con los humanos, aunque estos últimos viven sin conocer su existencia.

Este mundo comparte muchos puntos en común con la saga de Underworld incluyendo los más negativos, entre los que se cuenta un exceso tal de criaturas extrañas que resulta casi increíble aceptar la premisa de que nadie se haya dado cuenta de que pasadas las doce de la noche cualquier discoteca se convierte en aquella en la que se desarrollaba la escena introductoria de Blade.

Underworld: el Despertar va un paso más allá y aparta esta mascarada ahorrándonos el trabajo de tener que imaginar enormes sociedades que sobreviven en el subsuelo sin que ninguna tuneladora del metro haya pasado por encima de sus milenarios mausoleos. En su lugar nos propone un escenario en el que todo el mundo está ya enterado de que los seres de leyenda son reales, lo que constituye la excusa perfecta para olvidarnos del sigilo y el subterfugio en favor de la acción desenfadada y desenfrenada.

Desenfadada, desenfrenada y también muy acertada. Sorprende ver un atisbo de coreografías en las secuencias de peleas, en contraposición a los cincuenta planos por segundo que vienen siendo habituales en cierto cine de acción. Kate Beckinsale se mueve, corre, salta, gira sobre sí misma, golpea repetidas veces la cabeza de sus enemigos con objetos punzantes, es lanzada por monstruos gigantescos contra pilares de piedra contra los que se estampa y, para regocijo del respetable, corta cuellos y abre estómagos (y no solo ella), haciendo justicia a la calificación para mayores de edad que ha recibido en Estados Unidos. Buenas noticias para el género.

Desgraciadamente el reclamo de las tres dimensiones sigue siendo una línea en el cartel, más que un valor añadido. En un par de escenas se aprecian algunas explosiones que lanzan cristales y otros trozos de cosas al espectador pero nada reseñable o que aporte algo a la experiencia. Lo de siempre.

El doloroso viaje que emprende Emilio, un anciano triste al que su hijo manda a una residencia cuando comienza a presentar síntomas de alzhéimer, llamó la atención de Ignacio Ferreras. El director madrileño consiguió los derechos del tebeo y comenzó su particular gesta. El resultado es esta deliciosa película de animación para adultos, emotiva y cruda.

Detrás de los dibujos y de ese maravilloso guión adaptado hecho a cuatro manos por Ferreras, Roca, Ángel de la Cruz y Rosanna Cecchini hay un exhaustivo trabajo de documentación llevado a cabo por el autor. De ahí que los personajes estén tan vivos y que la melancolía de sus miradas refleje tanta verdad. La pantalla de cine palpita. Aunque la película tiene momentos hilarantes su tono general es agrio y profundamente triste. Es muy fácil emocionarse con Arrugas como también lo es amar al resto de personajes que deambulan por la residencia.

La vitalidad y la picardía están representadas en Miguel, el compañero de habitación de Emilio que se convierte en su inseparable amigo y que intentará evitar por todos los medios que las señales del alzhéimer les aleje. Emilio no debe acabar en el piso de arriba, el lugar donde los ancianos parecen juguetes rotos y donde no hay tregua para los chillidos o los latigazos de locura. El amor eterno también tiene un hueco en Arrugas gracias a esa anciana que todos los días susurra al oído de su marido con alzhéimer una palabra que misteriosamente le hace sonreír. También está  esa otra señora que se pasa todo el día mirando por la ventana porque cree que viaja en un tren hacia Estambul.

Los compases de Nani García acompañan al espectador durante todo el filme en el que se van manifestando destellos de nuestro futuro. La película está repleta de pistas sobre ese viaje que todos emprenderemos algún día. Por eso la ópera prima de Ferreras es tan conmovedora. La crueldad de la propuesta viene dada por el papel que tienen los familiares (que también somos nosotros). Egoístas, interesados e hipócritas. Con respecto a ellos Roca no puede ser más rotundo.

Arrugas-Banda sonora

Parecía que nadie conseguiría hablar de la vejez tan bien como lo hacía Yasujiro Ozu en “Cuentos de Tokio”, pero Roca y Ferreras han conseguido acercarse mucho y lo han hecho con gracia. “Arrugas” es dura –mucho más dura si el espectador se ve reflejado directamente- pero además es divertida, por eso es única. La animación para adultos en España acaba de ganar un representante perfecto.

Frases destacadas:
Emilio: “¿Por qué este niño me llama abuelo?“
Miguel: “Te pasas toda la vida trabajando y cuando ya no puedes recoger a tus nietos ni hacer de niñera te encierran aquí.“
Emilio: “¿Quién hay en el piso de arriba?”
Doña Sol: “Tengo que llamar a mi casa para que mi familia me venga a recoger, porque yo ya estoy bien.“

Calificación: 8

Pedro Moral

Tras perder la oportunidad de ganar un Globo de Oro, Glenn Close se enfrenta de nuevo  a Meryl Streep como Mejor actriz protagonista en los Oscars. Close será una contrincante muy digna a la Margaret Thatcher interpretada por Streep, puesto que su papel en Albert Nobbs es posiblemente uno de esos trabajos por los que será recordada en la posteridad.

El director colombiano Rodrigo García retrata a la perfección la Irlanda del siglo XIX, una sociedad en la que la mujer queda relegada a un segundo plano. Esta situación es una constante en la película y se refleja,entre otras cosas, a través de la amistad entre el mayordomo Albert Nobbs (Glenn Close) y el fontanero Hubert Page (Janet McTee), dos personajes con un secreto muy importante que juntos tratarán de sobrellevar los problemas del día a día. La pareja sentimental formada por Helen (Mia Wasikowska) y Joe Mackins(Aaron Johnson) es otro claro ejemplo de la situación social de esta época. Helen es doncella en el hotel Morrison y Joe llega allí como reparador de calderas. En ese momento, el amor llega a sus vidas, pero poco a poco vamos observando que lo único que Mackins pretende es conseguir dinero del trabajo de Helen y huir a Nueva York.

Otro de los temas que aparecen en el largometraje es la muerte, que se manifiesta con la llegada de la fiebre tifoide, que mata a varios empleados del hotel y termina por convertirse en una epidemia que asola la ciudad. También podemos apreciar en este film el último de los temas clave del director el mundo de las mujeres, la culpa y la redención. Sin embargo, pese a que se nota claramente que es de Rodrigo García la mano que guía la historia, no debemos olvidar que esta no es más que una adaptación más de ‘Life of Albert Nobbs’, la novela de George Moore.

En este caso, Glenn Close no solo se ha limitado a interpretar al personaje protagonista, sino que también ha co-producido y participado en la redacción del guión, consiguiendo entre todos una trama muy bien hilada que, unida a esa música a caballo entre lo puramente instrumental y las baladas más sentimentales, dan lugar a una película muy cuidada que merece ganar esos dos Óscar a los que están nominadas Close y McTee como actriz principal y actriz de reparto respectivamente.
Si bien Janet McTee no tiene demasiadas posibilidades, Close apunta fuerte a la carrera por el premio, distanciándose  de doblajes como el del film de animación “Pinocho” y personajes más infantiles como la temible Cruela de Vil en los “101 Dálmatas”, para acercarse mujeres tan afamadas como las de “Atracción Fatal” o “Las amistades peligrosas”, películas con las que obtuvo varias nominaciones, entre ellas sus primeros pasos por los Óscar. Desde aquí, solo nos queda desearles a ambas suerte en la consecución de las estatuillas y dejaros con la canción nominada a Mejor canción original en los Globos de Oro.

Lay your head down- Sinead O’Connor

Frases destacadas:
Doncella: “Eso es, rebájate. Esos hombres se aprovechan de las mujeres y luego las dejan tiradas”.
Dr. Holloran: “Oh, tabaco. Eso le pega a un hombre”.
Albert Nobbs: “¿Pero una mujer podría despachar?”
Dr.Holloran: “Sí, por supuesto. ¿Una mujer? ¿Quién es la afortunada?”
Helen: “Es el hombre más extraño que he conocido nunca”

Calificación: 9.

Cristina del Gallego Baraibar

El padre Ambrosio, interpretado por Vincent Cassel, es conocido y respetado por todos dentro y fuera del monasterio de monjes capuchinos situado a las afueras de Madrid donde vive. Nada parece tener ninguna posibilidad de torcer su recto camino o manchar su pureza inmaculada pero pronto descubrirá que las pruebas a las que se le había sometido hasta ahora nada tienen que ver con las que se le avecinan.

El monje es una historia clásica dentro del canon del terror gótico, una crítica a la Iglesia y a la moral de sus miembros con siglos de vida y una adaptación de intenciones respetuosas con el original. Su ritmo pausado y contemplativo, como la vida de los monjes que retrata, así como el uso de ciertos elementos formales ciertamente sorprendentes alejan a esta cinta de los circuitos más comerciales acercándola a todos aquellos que busquen algo diferente.

La banda sonora, clave en la construcción de la atmósfera lúgubre y sobrenatural de la historia, corre a cargo de Alberto Iglesias, recién nominado al Oscar a mejor banda sonora por El Topo. Iglesias despliega todo su poderío con unas piezas inquietantes y con personalidad propia que envuelven a las imágenes como un manto pesado y turbador.

En este thriller de Joel Schumacher, la vida de la familia Miller es sacudida por el atraco de su lujosa mansión. El objetivo de este robo parece ser la obtención de los diamantes que vende Kyle (Nicolas Cage), sin embargo con el paso del tiempo nos iremos dando cuenta de que no es esa la única meta que persiguen, ya que uno de los ladrones, Jonah (Cam Gigandet) padece una psicopatía que le ha llevado a obsesionarse con la madre de familia, Sarah(Nicole Kidman).

Precisamente es Nicole Kidman la que insufla la tensión en vena a los espectadores, sobre todo desde que aparece en escena Avery (Liana Liberato) y a los gritos previos le añadimos su faceta de madre coraje que arriesgará hasta su vida por salvar a su hija. Sin embargo, esa chica no necesita que la defienda pues será capaz de noquear a los ladrones ella sola, de escapar e incluso de poner en ocasiones contadas la nota de humor.

En contraposición con estas dos mujeres, nos encontramos a Nicolas Cage en el papel del clásico hombre empresario serio al que únicamente sacará de su indiferencia la llamada de la paternidad cuando Avery corre peligro. Sin embargo, pese a algunos momentos puntuales, él sigue ofreciéndonos un semblante inamovible con el que tratará de tomar ventaja frente a los atracadores a través de la negociación. Este personaje es completamente opuesto a alguno de los papeles que le han llevado a la fama, como los interpretados en Leaving Las Vegas o Ghost Rider.

Por último, en el reparto aparecen varios perfiles de atracador. El jefe de todos ellos es Ty (Ben Mendelsohn), que trata de saldar su deuda con unos narcotraficantes a los que debe una gran suma de dinero. A él le acompañarán su novia Petal(Jordana Spiro), una mezcla de mujer agresiva y chica indefensa que pretende acabar con todo y ser feliz con su familia y, por último, Jonah, el ya mencionado hermano psicópata de Ty, un chaval tremendamente arisco y tan tierno con Sarah, la mujer de su vida.

Si a todo esto le añadimos el elemento claustrofóbico que se provoca el hecho de que la historia se desarrolle casi en su totalidad en la mansión de los Miller, tenemos el clásico thriller con todos sus elementos característicos: acción, drama y un poco de comedia. A los fans de este género, no les defraudará. Aunque, si lo que buscas algo de originalidad, vete a buscar la cartelera y cambia de película.

Ry Cooder- East St Louis

Frases destacadas:
Jonah: “Puestos a soñar, mejor soñar a lo grande, ¿no?”
Sarah: “Ábrela o morimos todos, Kyle. Ya me importa una mierda todo”
Jonah: “Lo juraste. Que nadie le toque un pelo a ella, ¿vale?”
Sarah: “Si vas a matarme, ¿por qué no me miras a los ojos, cobarde?”

Calificación: 6.

Cristina del Gallego Baraibar.

Alexander Payne y George Clooney

Esta pregunta es obligatoria…¿Por qué motivo al realizar esta nueva adaptación de la novela de Larsson no la ha llevado al territorio norteamericano como se suele hacen en otros casos?
No era posible hacerlo. Son muy distintas tanto la política como la dinámica sexual, esto hace inviable ubicarla en otro punto geográfico, sobre todo porque las relaciones entre hombre y mujeres son diferentes, son especiales. Allí si abres una puerta para que la mujer pase antes, te puede mirar como que estás loco, y las mujeres en los bares a la hora de ligar suelen llevar la iniciativa. Luego es totalmente diferente al carácter de los norteamericanos.

En muchas de sus películas como “El club de la lucha”, “Zodiac” o “Seven” versan sobre la violencia. Nos gustaría saber ¿dónde sitúa usted el límite entre lo que se puede mostrar o no al espectador?
A mí me gusta mostrar la menor violencia posible, en el sentido que cada vez que hay una escena violenta procurar que no te deje indiferente pero que te choque de verdad. Para mí el mayor cumplido fue cuando enseñé la escena de la segunda violación a los productores, Emile Pascal me dijo que no había visto nada que la ofendiera pero me confesó que la había perturbado e impactado muchísimo. Luego, la idea es entrar en la escena, ir al grano, y buscar el impacto de la escena violenta en la globalidad del largometraje, cómo se integra para tener ese impacto en el filme. A veces, la violencia puede ser graciosa, como la del trío “The three stoges”, que por cierto me encantan. Pero también se puede disfrazar como drama, pero es sólo violencia.

En películas como “El club de la lucha”, “Seven” o en los títulos de crédito iniciales de su nuevo trabajo hace uso de las imágenes subliminales, ¿cree en su efectividad? ¿Cuál es su propósito, porque Kubrick en “La naranja mecánica” lo hacía con un motivo artístico?
Kubrick lo hacía con un componente artístico, y en mi caso es con fines comerciales (Risas) En cuanto a las imágenes subliminales no sé si existen hoy en día. No comprendo realmente lo que significa porque la gente tiene una respuesta pauloviana a los trailer de las películas y la gente, hoy en día, reciben y absorben la información y los datos muchísimo más rápido que antes. Entonces, quizás, casi podríamos afirmar que no existen.

Trent Renzor y Atticus Rosss se han convertido en uno de los pilares de su narrativa ¿Cómo es su relación con ellos y sobre todo, cómo trabaja con ellos?
Poseo una forma de trabajar con ellos muy distinta a la que he tenido con otros compositores, porque por lo general todos los compositores suelen elaborar la banda sonora cuando el largometraje está hecho y montado. Por el contrario, Trent y Atticus empiezan a partir del guión. En el caso de la “La red social” fue distinto porque ya estaba todo muy iniciado cuando se incorporaron, pero a pesar de esas circunstancias tan particulares, ellos me hicieron distintos bosquejos o ideas de música para ver como funcionaban en las distintas secuencias, mientras que otros compositores suelen ser más meticulosos con los detalles a la hora de elaborar la música. Y en “Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres” partieron directamente del guión, eso me permitió estar rodando mientras escuchaba la música ya hecha.

¿Cuándo se dio cuenta que Rooney Mara era una gran candidata a convertirse en la mejor Lisbeth Salander posible? Y ¿cómo trabajaron el personaje?
Pues Lisbeth es realmente tímida y evita el contacto personal con los demás, y Rooney tiene en común eso con el personaje, es muy reflexiva. Pero no es una persona que tenga dudas, se lo piensa mucho y luego actúa. Eso es algo que también tienen en común. Así que fue fácil sumergirse en el personaje. Es más, cuando decidí darle el personaje, tenía mi IPod y el dije esta es la nota de prensa que vamos a dirigir a los medios de comunicación, que te acabamos de dar el papel, y le pregunté ¿está de acuerdo? ¿no quieres 20 minutos para pensártelo? Y me respondió No, no, estoy de acuerdo. Así que se fue en avión a Estocolmo, allí desapareció durante cinco semanas, cogió un apartamento, aprendió kickboxing y también le dije que aprendiera a andar como un chico de catorce años. Así que se le ocurrió aprender skateboard, que como sabéis es muy importante mantener el equilibrio, me asombra de esos chicos jóvenes su capacidad de girar por aquí por allí, que parece que se van a caer y nunca se caen, y tienen ese particular sentido del equilibrio. Pues Rooney aprendió esa técnica, pero también tenía que clavar el acento del personaje. Y cuando llegamos a rodar cinco semanas después prácticamente allí estaba Lisbeth. Le pusimos los tatuajes, los piercings, la vestimos de forma apropiada, y sólo quedaba darle cuerda para que empezara a andar como Lisbeth.

No sabemos si es temprano pero ¿hay posibilidades de que haga la trilogía?
No, pienso las cosas de una en una. Ahora estoy buscando guiones, porque lo que me interesa realmente son los grandes guiones.

Los títulos de crédito en sus películas parecen auténticos cortometrajes, te cuentan lo que vas a ver después. Cuando usted escribe el guión ¿se lo plantea?
Pues en este caso, teníamos dos minutos y veinte segundos de música, y tenía claro que tenía que haber oscuridad, sensación de asfixia, motos y cuero. Así que me fui a ver a un amigo que posee una compañía de animación y le dije que quería también plasmar además, el ambiente de las pesadillas de Lisbeth. Pensaba en diversos elementos como puede ver, el padre ardiendo, Gottfried ahogándose, cómo se relaciona Lisbeth con el mundo a través de la tecnología, las flores, las motos y las camisas de fuerza. Así que escogimos estos veinticinco elementos claves, se los di, y le dije aquí hay un poco más de medio millón de dólares, unos seiscientos mil dólares, hazme un corto.

Títulos de crédito iniciales de “Millenium: Los hombres que no amaban a las mujere”

Alfredo Manteca.-

En 1812, tras la muerte de su padre, se hizo cargo de las posesiones de éste en Jamaica. Volvió a Inglaterra, y estuvo también ocasionalmente en Suiza, donde coincidió con sus amigos Lord Byron, John William Polidori, Mary Shelley y Percy Shelley, pero no tardó en regresar a sus posesiones. Luego viajó a Jamaica y de vuelta a Europa en 1818 contrajo la fiebre amarilla y murió. Fruto de su larga estancia en América escribió Diario de un plantador de las Antillas, publicado póstumamente en 1833. Otras obras destacadas del autor fueron Cuentos de terror, de 1799; Cuentos maravillosos de 1801; y las obras teatrales El espectro del castillo, de 1796;, El indio, de 1799 y Alfonso, de 1801. Tradujo a Schiller (Kabale und Liebe, como El ministro) y a Kotzebue, además del romance El bravo de Venecia (1804). El Monje fue reivindicada por André Breton y Antonin Artaud como la mejor novela gótica y uno de los mayores logros del Romanticismo.